In der Welt der Tattoo-Kultur findet ein interessanter Prozess statt: Künstler greifen zunehmend auf alte Handwerkskünste zurück, um einzigartige Werke auf der Haut zu schaffen. Besonders deutlich wird dies in Indien, wo Tätowierungen und traditionelle Handwerkskünste eine gemeinsame visuelle Sprache teilen. Dieses Phänomen ist nicht nur ein Modetrend – es ist eine Möglichkeit, das kulturelle Erbe zu bewahren und es an neue Generationen weiterzugeben.
Von Stickerei zu Leder: Die Geschichte von Ankita Kayal
Ankita Kayal, Gründerin der Marke Paher, die sich auf Handweberei spezialisiert hat, wählte für sich etwas Beständigeres als ein Glas Champagner oder ein festliches Abendessen. Auf ihrem Unterarm befinden sich drei Blumenformen, die in Kreuzstich-Technik ausgeführt sind. Diese Motive stammen aus demselben Vokabular, mit dem sie täglich arbeitet: ein Fadengarn Jamdani-Muster auf bengalischem Musselin, Tangalia-Knoten auf Kala-Baumwolle, Bandhani-Punkte.
Kayal ließ sich dieses Tattoo im Jahr 2023 stechen, als sie ihren Hauptjob kündigte, um Paher eigenständig zu führen. Später fügte sie ein feines Armband um ihr Handgelenk hinzu, das auf die Traditionen der Tätowierung aus Kutch verweist. Für sie schmücken nun die Motive, die ihren Textilien Struktur verleihen, ihren Körper und verbinden Handwerk als Praxis und Handwerk als Identität.
Utsavi Jhaveri: Von der Werbung zur Tattoo-Kunst
Diese indischen Stickereimuster wurden von Utsavi Jhaveri von Border-Line Tattoos gestochen. Jhaveri, die in Los Angeles in der Werbung tätig war, wurde von dem damals aufkommenden Trend der „naiven“ Tattoos angezogen – lustige Kritzeleien und einfache Linienarbeiten, die keine schwere Ausrüstung oder jahrelange Ausbildung erforderten. Nach ihrer Rückkehr nach Indien im Jahr 2018 begann sie, sich autodidaktisch die Kunst des Hand-Poke anzueignen.
Als ihre Großmutter starb, änderte sich alles. „Die Frauen in meiner Familie haben zusammen gestickt, gehäkelt und gesponnen“, sagt Jhaveri. Sie entdeckte eine Fundgrube von Saris, die ihr Großvater entworfen und ihre Großmutter bestickt hatte. Jhaveri fotografierte indische Stickereimotive und erstellte sie digital zu einer Tattoo-Kollektion namens Dori neu, weil es sich wie ein Faden anfühlte, der die Generationen von Frauen in ihrer Familie verband. Seitdem hat sie Techniken wie Kasuti aus Karnataka, Kantha aus Westbengalen, Tangalia aus Gujarat und Phulkari aus Punjab erforscht.
Godna-Traditionen: Vom Körper zum Objekt
Jahrhunderte vor dem Aufkommen von Tattoo-Studios, Maschinen und sterilen Nadeln praktizierten Gemeinschaften wie die Toda aus den Nilgiris, die Gond aus Zentralindien und die Rabari aus Kutch (um nur einige zu nennen) Godna („Handstich“). Godna konnte während der britischen Herrschaft mit kriminellen Aktivitäten in Verbindung gebracht werden, war aber immer ein Träger von Geschichten, die nahtlos zwischen Körper und Objekt übergingen. Derselbe Diamant, der in der Stickerei der Rabari zu finden ist, kann auf die Haut graviert werden; das Netzmuster eines handgewebten Saris kann sich entlang des Arms ziehen.
Betrachten wir das Baiga Godna, das traditionell von Frauen in Madhya Pradesh mit geometrischen Mustern praktiziert wird, die vom täglichen Leben inspiriert sind – Körner, Waben, Fischernetze, Eisenketten, Berge. Amit Arjel-Sharma vom Blue Blood Tree Tattoo Studio in Delhi wurde von Shanti Bai Maravi, einer Meisterin des Baiga Godna der sechsten Generation in Lalpur, Madhya Pradesh, unterrichtet. Indem er in die Baiga-Kultur eintauchte, dokumentierte er nicht nur die Motive, sondern auch, wie bestimmte Designs je nach Alter, Geschlecht und Identität auf Stirn, Armen, Brust, Rücken oder Beinen platziert werden.
Moderne Interpretationen von Traditionen
Er arbeitete mit der Garo-Gemeinschaft in Meghalaya zusammen, wo er unter der Anleitung der Weberin Daisy Momin Textil-Motive der Garo, wie das „Auge der Göttin“ und den „Schild des Kriegers“, in Tattoos adaptierte. Momin selbst erhielt die erste Tätowierung dieser Art in der Gemeinschaft. In Gujarat studierte er die Trajava, die von den Rabari und Mir praktiziert wird, wo Motive wie Amba Mor sowohl in Tattoos als auch in Stoffen vorkommen.
Das Vokabular der Badnins (Meister des Baiga-Tätowierens) reicht nun über die Haut hinaus. In Regionen wie Surguja in Chhattisgarh werden traditionelle Godna-Motive auf gewebte Saris und Textilien übertragen. Frauen der Dusadh-Dalit-Gemeinschaft in Zentralindien haben ihre Tattoo-Praxis in eine Kunstform namens Godna-Malerei umgeschrieben – eine Unterkategorie der Mithila-Malerei, die in den 1970er Jahren entstand. Die dichten Felder von Punkten und Linien, die in modernen Arbeiten auf Papier aus Kuhdung, Bambus und Kajal zu sehen sind, spiegeln die Markierungen wider, die einst auf den Körper aufgetragen wurden, um Widerstandsfähigkeit zu kennzeichnen.
Bewahrung des Erbes durch Tätowierung
Arjel-Sharma arbeitet auch als Assistent von Mangala Bai, der Tochter von Shanti Bai, die im Alter von sieben Jahren begann, Baiga Godna zu lernen und ihre Mutter in die Dörfer begleitete. „Godna ist purakho ki pehchan (die Identität unserer Vorfahren), und ich bin stolz darauf, dass die Arbeit auch dann bestehen bleibt, wenn ich nicht mehr hier bin“, sagt Mangala Bai. Obwohl die Praxis in ihrem Dorf nachgelassen hat, wollen die Menschen, die in die Städte gezogen sind, ihre Traditionen durch das Lederhandwerk bewahren. Jetzt reist sie zu Kunstplattformen und Messen und besucht Delhi, Mumbai und Goa. Letztes Jahr reiste das Paar zur Sydney Biennale, um eine Boden-zu-Decke-Leinwand mit dem Titel „Ten Thousand Suns“ zu präsentieren.
Um 2020 besuchte Jhaveri eine Baiga-Gemeinschaft in der Nähe des Kanha-Nationalparks, wo sie von Mangala Bai mit Nähmaschinennadeln tätowiert wurde. „Ihre Schwester bat mich, ihr ein Tattoo mit einem Design aus meiner Dori-Kollektion zu machen. Sie waren äußerst pingelig bei der Platzierung und dem Gleichgewicht, was widerspiegelt, wie symbolisch Tätowierungen in ihrer Kultur sind“, sagt Jhaveri. „Tätowierungen sind, genau wie Stickereien, ein Ausdruck von Kontinuität – Techniken und Geschichten, die von Händen und Generationen weitergegeben werden.“
Dieser Prozess der Integration traditioneller Handwerkskünste in die moderne Tattoo-Kultur zeigt, wie Kunst als Brücke zwischen Vergangenheit und Zukunft dienen kann. Tattoo-Künstler schaffen nicht nur Muster – sie bewahren Geschichte, vermitteln Wissen und stärken die kulturelle Identität. Dies ist besonders wichtig in einer Zeit der Globalisierung, in der viele Traditionen vom Aussterben bedroht sind. Durch die Haut können wir die Verbindung zu unseren Vorfahren, ihren Handwerkskünsten und ihrem Leben sehen und fühlen.