Tätowierung als hohe Kunst: von der ephemeren Performance zur ewigen Pigmentierung

Der Beginn des 21. Jahrhunderts hat viele Konstanten in der Kunstwelt radikal neu geschrieben und die Grenzen zwischen Hochkultur und dem, was zuvor nur als Handwerk oder Subkultur galt, verwischt. Eines der bezeichnendsten Beispiele für diesen tektonischen Wandel ist die Übernahme des Begriffs „Body Art“ durch die Tätowierung. Was vor sechzig Jahren eine radikale, anti-museale Performance darstellte, wird heute fest mit der Arbeit eines Meisters assoziiert, der die menschliche Haut für immer verwandelt. Die außergewöhnliche Einzelausstellung von Aquarellen und Fotografien von Tätowierungen der Künstlerin Sanja Petrović mit dem Titel „Auf Papier und unter der Haut“, organisiert vom Stadtmuseum Sombor, bietet eine ideale Gelegenheit, diesen ontologischen Wandel zu reflektieren.

Neudefinition von „Body Art“: von Duchamp bis zur Dermis

Der Begriff „Body Art“ tauchte um 1960 auf und war eine Antwort von Künstlern auf die Erschöpfung klassischer Formen – Skulptur und Malerei. In den 60er Jahren wandten sich Kreative aktiv Performances und Happenings zu und nutzten ihren eigenen Körper als Hauptobjekt und Medium. Die radikale Avantgarde-Bewegung „Fluxus“, gegründet von George Maciunas, präsentierte in ihrem Manifest von 1962 diese Konzeption als etwas Anti-Museales, Flüchtiges und Mythisches – im Wesentlichen Dadaismus, verstärkt durch neue Medien.

Wir erinnern uns an die ikonischen Projekte des britischen Duos Gilbert and George, die ihren Körper zum zentralen Produkt der Kunst machten. Zum Beispiel bedeckten sie 1968 ihre Gesichter und Hände mit Bronzefarbe und standen acht Stunden lang als „lebende Skulpturen“ im Stedelijk Museum in Amsterdam. Später verkauften sie sich als Installation für die Dauerausstellung des Museum of Modern Art (MoMA) in New York. Sie nutzten ihre physischen Hüllen gleichzeitig als künstlerisches Medium und als fertiges Produkt.

Doch bis zum Ende des ersten Viertels des 21. Jahrhunderts, als die Kunst so intensiv und verzweigt wurde, dass sie selbst das erfahrene Publikum oft verwirrte, kam es zu einer Vertauschung der Begriffe. Heute, wenn wir von „Body Art“ sprechen, entsteht im Bewusstsein der meisten – leise, aber dominant – das Bild einer Tätowierung. Es stellt sich die Frage: Handelt es sich nur um eine Änderung der Wortverwendung (Semantik) oder um eine vollständige Änderung der Bedeutung, die diese Wörter tragen (Ontologie)? Im Kontext der Tattoo-Kultur, wo das Bild auf der Haut dauerhaft, intim und oft sakral wird, ist der ontologische Wandel offensichtlich.

Ausstellung „Auf Papier und unter der Haut“: eine Brücke zwischen Handwerk und Architektur

Die Ausstellung von Sanja Petrović im Stadtmuseum Sombor ist die erste Einzelausstellung dieser Art in der Geschichte der Stadt, was an sich die Anerkennung der Tätowierung als vollwertige Kunstform symbolisiert. Sanja Petrović, geboren 1988 in Sombor, hat eine einzigartige Ausbildung, die die Vielschichtigkeit ihres Ansatzes widerspiegelt. 2012 schloss sie ihr Studium an der Fakultät für Architektur der Universität Belgrad mit einem Master in Architektur ab und studierte parallel drei Jahre Malerei an der Fakultät für Bildende Künste. Ihre in Sombor ausgestellten Werke umfassen den Zeitraum von 2018 bis 2023 und beinhalten nicht nur Fotografien bereits realisierter Tätowierungen, sondern auch deren künstlerische Entwürfe: Zeichnungen, Aquarelle und Gouachen.

Dies ist nicht der erste öffentliche Auftritt der Künstlerin. Eine modifizierte Version ihrer Ausstellung wurde zuvor in Novi Sad gezeigt. Bemerkenswert ist, dass 2023 zur Eröffnung in der Galerie SPENS der bekannte serbische Comiczeichner Dejan Nenadov, der eigens aus Amsterdam angereist war, die Eröffnungsrede hielt.

Expertenanalyse: Tätowierung als traditionelles Segment der Subkultur

In seiner Rede betonte Dejan Nenadov, dass die Tattoo-Kultur ein tiefes, traditionelles Segment der Subkultur sei, das komplexe kodierte Botschaften trage. Er berührte kompetent historische Aspekte, die bei einem oberflächlichen Blick auf den modernen Tätowierungs-Mainstream oft ignoriert werden:

• Marine-Symbolik: Tätowierungen und Piercings von Seeleuten auf Segelschiffen dienten als versteckte Signale, die ihre Spezialisierung, zurückgelegten Routen oder sogar ihren Status angaben.
• Gefängnis-Apokryphen: Symbole, die die Anzahl der Opfer, begangene Sünden, Entschuldigungen oder die Zugehörigkeit zu einer bestimmten Hierarchie bezeichnen.
• Esoterische Zeichen: Okkulte und andere Markierungen geschlossener Gruppen, die zur Identifizierung von „Insidern“ und zur Abgrenzung von der Außenwelt dienten.

Dieser in den Ausstellungsraum integrierte Kontext verleiht Petrovićs Arbeiten zusätzliches Gewicht. Ihre Ausstellung ist nicht nur eine Demonstration von Können, sondern eine Untersuchung, wie alte, oft marginale Zeichensprachen in den Galerieraum übergehen und dabei ihre innere, intime Kraft bewahren. Angesichts des langsamen, aber stetigen Fortschritts, den Sombor bei der Akzeptanz neuer Kunstformen zeigt (z. B. fand die erste lokale Einzelausstellung von Comics, organisiert von Sanjas Vater, im Jahr 2002 statt), kann man davon ausgehen, dass Petrovićs Arbeit ein wichtiger Katalysator für die weitere Anerkennung der Tattoo-Kunst sein wird.

Vom „Durchstechen mit einem Dorn“ zum Insiderwissen

Der Titel der Ausstellung und ihr Kontext zwingen das Publikum, gewohnte Ausdrücke neu zu betrachten. Phrasen wie „unter die Haut gehen“, „ein Insider werden“ oder „Haut auf einem Dorn tragen“ (eine Anspielung auf die alte Methode der Mustererstellung) erhalten eine wörtliche, körperliche Bedeutung. Eine Tätowierung ist die endgültige Annahme einer Idee, eines Symbols oder einer Ästhetik, ein Akt, der äußere, ephemere Inspiration in einen inneren, permanenten Teil der Persönlichkeit übersetzt.

Sanja Petrovićs Werk, das akademisches architektonisches Denken mit malerischem Ausdruck verbindet, zeigt, dass moderne Tätowierungen längst keine reine Verzierung mehr sind. Es ist eine hochorganisierte, technisch komplexe Kunstform, die nicht nur die Beherrschung der Nadel, sondern auch ein tiefes Verständnis von Komposition und Anatomie erfordert. Die Tatsache, dass ihre Werke zuerst als eigenständige Aquarellstudien existieren und dann auf die Haut übertragen werden, unterstreicht ihre doppelte Natur – als vollendetes Werk auf Papier und als lebendige, dynamische Installation auf dem Körper. Dieser Ansatz beweist überzeugend, dass die Tätowierung einen vollständigen ontologischen Übergang vollzogen hat und sich ihren Status als hohe, wenn auch ungewohnte, Kunstform gesichert hat.