En el mundo de la cultura del tatuaje, está ocurriendo un proceso interesante: los artistas recurren cada vez más a las antiguas artesanías para crear obras únicas en la piel. Esto se manifiesta especialmente en la India, donde los tatuajes y las artesanías tradicionales comparten un lenguaje visual común. Este fenómeno no es solo una tendencia de moda, sino una forma de preservar el patrimonio cultural y transmitirlo a las nuevas generaciones.
Del bordado al cuero: la historia de Ankita Kayal
Ankita Kayal, fundadora de la marca Paher, especializada en tejido a mano, eligió algo más permanente que una copa de champán o una cena festiva. En su antebrazo, se encuentran tres formas florales realizadas en técnica de punto de cruz. Estos motivos provienen del mismo vocabulario con el que trabaja a diario: los patrones de jamdani de un solo hilo en muselina bengalí, los nudos braille de tangalia en algodón kala, los puntos de bandhani.
Kayal se hizo este tatuaje en 2023, cuando dejó su trabajo principal para dirigir Paher por su cuenta. Más tarde, añadió una fina pulsera alrededor de su muñeca, haciendo referencia a las tradiciones de tatuaje de Kutch. Para ella, los motivos que estructuran su textil ahora adornan su cuerpo, conectando la artesanía como práctica y la artesanía como identidad.
Utsavi Jhaveri: de la publicidad al arte del tatuaje
Estos diseños de bordado indio fueron realizados por Utsavi Jhaveri de Border-Line Tattoos. Trabajando en publicidad en Los Ángeles, Jhaveri se sintió atraída por la entonces incipiente tendencia de los tatuajes «ignorantes», garabatos divertidos y trabajos lineales sencillos que no requerían equipo pesado ni años de aprendizaje. Tras regresar a la India en 2018, comenzó a formarse de forma autodidacta en el arte del hand poke.
Cuando murió su abuela, todo cambió. «Las mujeres de mi familia bordaban, tejían a crochet y hilaban juntas», dice Jhaveri. Descubrió un tesoro de saris pintados por su abuelo y bordados por su abuela. Jhaveri fotografió los motivos de bordado indio, recreándolos digitalmente en una colección de tatuajes llamada Dori, porque sentía que era un hilo que conectaba generaciones de mujeres en su familia. Desde entonces, ha explorado técnicas como el kasuti de Karnataka, el kantha de Bengala Occidental, el tangalia de Gujarat y el phulkari de Punjab.
Tradiciones de godna: del cuerpo al objeto
Siglos antes de la aparición de los estudios de tatuaje, las pistolas y las agujas estériles, comunidades como los Toda de Nilgiris, los Gond de la India Central y los Rabari de Kutch (por nombrar solo algunas) practicaban el godna («punción manual»). El godna pudo estar asociado con actividades delictivas durante el dominio británico, pero siempre fue portador de historias que fluían sin problemas entre el cuerpo y el objeto. El mismo diamante que se encuentra en el bordado rabari puede grabarse en la piel; el patrón de red de un sari tejido a mano puede aparecer a lo largo del brazo.
Consideremos el baiga godna, practicado tradicionalmente por mujeres en Madhya Pradesh utilizando patrones geométricos inspirados en la vida cotidiana: granos, panales, redes de pesca, cadenas de hierro, montañas. Amit Arjel-Sharma del estudio Blue Blood Tree Tattoo en Delhi se formó con Shanti Bai Maravi, una maestra de baiga godna de sexta generación en Lalpur, Madhya Pradesh. Sumergido en la cultura baiga, documentó no solo los motivos, sino también cómo se colocan ciertos diseños en la frente, los brazos, el pecho, la espalda o las piernas según la edad, el género y la identidad.
Interpretaciones modernas de las tradiciones
Trabajó con la comunidad Garo en Meghalaya, donde, bajo la guía de la maestra tejedora Daisy Momin, adaptó motivos textiles Garo como el «ojo de la diosa» y el «escudo del guerrero» en tatuajes. La propia Momin recibió el primer tatuaje de este tipo en la comunidad. En Gujarat, estudió el trajava, practicado por los Rabari y Mir, donde motivos como el amba mor aparecen tanto en tatuajes como en tejidos.
El vocabulario de los badnin (maestros de tatuaje baiga) ahora se extiende más allá de la piel. En regiones como Surguja en Chhattisgarh, los motivos tradicionales de godna se traducen en saris de trenza y textiles. Las mujeres de la comunidad Dusadh Dalit en la India Central han reescrito su práctica de tatuaje en una forma de arte llamada pintura godna, un subconjunto de la pintura Mithila que surgió en la década de 1970. Los densos campos de puntos y líneas visibles en obras modernas sobre papel hechas de estiércol de vaca, bambú y kajal, hacen eco de las marcas que alguna vez se aplicaron en el cuerpo para indicar resistencia.
Preservando el legado a través del tatuaje
Arjel-Sharma también trabaja como asistente de Mangala Bai, hija de Shanti Bai, quien comenzó a aprender baiga godna a la edad de siete años, acompañando a su madre a las aldeas. «Godna es purakho ki pehchan (la identidad de nuestros antepasados), y estoy orgullosa de que incluso cuando yo no esté aquí, el trabajo permanecerá», dice Mangala Bai. Aunque la práctica ha disminuido en su aldea, las personas que se han mudado a las ciudades quieren preservar sus tradiciones a través de la artesanía del cuero. Ahora viaja a plataformas y convenciones de arte, visitando Delhi, Mumbai y Goa. El año pasado, la pareja viajó a la Bienal de Sídney para exhibir un lienzo de suelo a techo titulado Ten Thousand Suns.
Alrededor de 2020, Jhaveri visitó una comunidad baiga cerca del Parque Nacional Kanha, donde fue tatuada por Mangala Bai usando agujas de coser. «Su hermana me pidió que le hiciera un tatuaje con un diseño de mi colección Dori. Eran extremadamente exigentes con la colocación y el equilibrio, lo que refleja lo simbólico que es el tatuaje en su cultura», dice Jhaveri. «El tatuaje, al igual que el bordado, trata de la continuidad: técnicas e historias transmitidas por manos y generaciones».
Este proceso de integración de las artesanías tradicionales en la cultura del tatuaje moderna demuestra cómo el arte puede servir de puente entre el pasado y el futuro. Los tatuadores no solo crean patrones, sino que preservan la historia, transmiten conocimientos y fortalecen la identidad cultural. Esto es especialmente importante en una era de globalización, cuando muchas tradiciones están en peligro de extinción. A través de la piel, podemos ver y sentir la conexión con nuestros antepasados, sus artesanías y sus vidas.